Avec Rana Gorgani (danseuse)

Séance démonstration-initiation ouverte à tous (entrée libre).

Animés par la poésie et la musique persanes, pratiquez la danse tournante mystique des derviches tourneurs.

Cette forme de méditation active prend racine il y a plus de 800 ans dans l'ordre Mevlevi (souvent appelés « Derviches tourneurs »), inspiré par Mevlânâ Celaleddin Rûmi. Le grand poète persan professait une mystique centrée sur l'amour et la tolérance sans distinction de religion, de sexe et de culture. À travers une sélection de poèmes soufis, l’enseignement de Rana Gorgani vise à unifier trois éléments essentiels au tournoiement : le corps, l'espace et le temps. Afin que chacun puisse expérimenter l'ivresse méditative du samâ.

Programme de l'après-midi (séance en deux moments de 45 min) :
« Comme un compas, un pied fixé sur ma foi et l'autre pied qui parcourt les 72 nations. » Rûmi.
Créer un cercle et être au centre de ce cercle, découvrir le mouvement rotatif dans lequel se trouve le secret du pas des derviches tourneurs. La spirale dansée dessine un cercle dans l'espace. Cette présentation permettra à chaque participant de comprendre la précision géométrique du tournoiement.

Un atelier proposé par le festival Les Suds.
 

Rana Gorgani

Rana Gorgani s'exprime comme un derviche tourneur. Ambassadrice de la danse soufie, membre du conseil international de la Danse de l'UNESCO, le talent et la connaissance de cette Iranienne d’origine kurde sont reconnus en France comme à l'étranger. Diplômée d'un master d'anthropologie de la danse et d'ethnomusicologie (Université de Clermont-Ferrand), elle présente cet héritage à travers des œuvres artistiques uniques qu'elle crée en imaginant les costumes et les chorégraphies.  Dans une optique universelle, contemporaine et laïque, loin de s’arrêter à la musique traditionnelle, son travail s’enrichit de nombreuses collaborations avec des artistes imprégnés de divers styles musicaux (Mohsen Fazeli, Simon Ghraichy, Miço Kendes et plus récemment Haïdouti Orkestar et Birds on a Wire), et même au-delà (danse contemporaine, cirque, etc.). Cette artiste atypique dépasse les frontières tout comme elle dépasse ses limites physiques, à travers sa maîtrise totale de la transe.

Avec Rana Gorgani (danseuse)

Stage de pratique.

Animés par la poésie et la musique persanes, pratiquez la danse tournante mystique des derviches tourneurs.

Cette forme de méditation active prend racine il y a plus de 800 ans dans l'ordre Mevlevi (souvent appelés « Derviches tourneurs »), inspiré par Mevlânâ Celaleddin Rûmi. Le grand poète persan professait une mystique centrée sur l'amour et la tolérance sans distinction de religion, de sexe et de culture. À travers une sélection de poèmes soufis, l’enseignement de Rana Gorgani vise à unifier trois éléments essentiels au tournoiement : le corps, l'espace et le temps. Afin que chacun puisse expérimenter l'ivresse méditative du samâ.

Programme du matin :
Cet atelier d’initiation à la danse soufie vous amènera à la découverte de l'univers du samâ, nom donné à la pratique de la danse soufie. Alliant l'écoute musicale et la préparation physique, cet atelier aborde la symbolique mystique des gestes et la technique du tournoiement.
À la fin de la cession, les personnes ayant un niveau de danse avancé pourront maitriser la technique de la danse soufie, tandis que les débutants apprécieront en toute confiance l'expérience du tournoiement (maîtrise du pas de base et familiarisation avec les gestes principaux des bras). Une initiation au zikr (mouvement chanté et dansé de la spiritualité soufie) est également au programme de cette matinée.

Complétez votre stage en participant à la séance de l’après-midi (gratuite) et enrichissez ainsi votre pratique en une journée.

Un atelier proposé par le festival Les Suds.

Rana Gorgani

Rana Gorgani s'exprime comme un derviche tourneur. Ambassadrice de la danse soufie, membre du conseil international de la Danse de l'UNESCO, le talent et la connaissance de cette Iranienne d’origine kurde sont reconnus en France comme à l'étranger. Diplômée d'un master d'anthropologie de la danse et d'ethnomusicologie (Université de Clermont-Ferrand), elle présente cet héritage à travers des œuvres artistiques uniques qu'elle crée en imaginant les costumes et les chorégraphies.  Dans une optique universelle, contemporaine et laïque, loin de s’arrêter à la musique traditionnelle, son travail s’enrichit de nombreuses collaborations avec des artistes imprégnés de divers styles musicaux (Mohsen Fazeli, Simon Ghraichy, Miço Kendes et plus récemment Haïdouti Orkestar et Birds on a Wire), et même au-delà (danse contemporaine, cirque, etc.). Cette artiste atypique dépasse les frontières tout comme elle dépasse ses limites physiques, à travers sa maîtrise totale de la transe.

Avec Pierrette et ses Payettes

Séance de démonstration-découverte ouverte à tous (entrée libre).

Musique d’hommage aux ancêtres, le maloya est aux réunionnais ce que le musette a pu être aux Parisiens ou la paghiella aux corses.
D’abord interdite et sévèrement réprimée par le pouvoir colonial français, cette musique née dans les plantations fait confluer dans son chant et ses rythmes les exils, les tourments et les joies de toutes celles et ceux que la colonie a exploités et réunis dans ses propriétés. Le maloya est une musique de lutte.

La percussion et la voix sont les deux combattants de cette résistance ; ils ont scellé leur union bien plus tôt, entre le Mozambique, Madagascar et le sous-continent Indien, dans les chants de possession et d’appels aux esprits.
Le maloya est un exutoire, certes, mais il permet aussi la découverte de rythmes, d’instruments, de mouvements et de chants qui emportent le corps dans une exploration joyeuse et libératoire.

Pierrette et ses payettes est le groupe réunionnais qui fait l’unanimité sur la pratique de cet art populaire à Marseille. Ils vous initieront à une première approche du maloya, toute en joie et en précision.

Programme de l'après-midi (séance en trois moments de 30 min) :
Par des interventions de chant maloya accompagnés au rouler et au kayamb, chacun pourra se familiariser avec l’accompagnement et les danses du maloya.

Un atelier proposé par la Cité de la Musique.

Les trois intervenants et intervenantes de cette journée sont issus du groupe Pierrette et ses Payettes. 
 

Sandra Richard

Sandra Richard est née à Saint-Denis de la Réunion et a grandi à Saint-Benoit, à l’est de l’île. Inscrite au Conservatoire, elle est plus attirée par la danse que par la musique. Son bac en poche, elle s’envole pour Marseille afin de suivre des études de Droit. Activiste des musiques péyi, elle crée Fonker La Réunion, une association en charge en autre de la chorale Ker Maloya. En duo avec le MC phocéen K-Meleon, elle signe par ailleurs Krazé, un premier titre hip-hop créole qui relie ses passions pour la musique réunionnaise et le hip-hop.

Sanae El Bajnouni

Sanae El Bajnouni est née à dans les environs de Nice dans une famille marocaine. Elle a 8 ans quand elle prend ses premiers cours de chant, et à peine 30 ans quand elle intègre des chorales italiennes et occitanes à son arrivée à Marseille. Plus tard, l’écoute d’albums de Danyel Waro l’amène à rejoindre Ker Maloya, la chorale dirigée par Jean-Didier Hoareau. « Ça a été un déclic » reconnait-elle aujourd’hui. « Un déclic et une ouverture ! ». Cette rencontre avec les musiques de la Réunion pourrait bien, un jour ou l’autre, la ramener vers celles du Maroc… Mais ça, c’est une autre histoire. 

Samuel Foudrin

Samuel Foudrin est né à Saint-Benoit. « Bras Fusil, quartier de Gramoun Lélé » précise-t-il pour honorer cet ancien qui lui a donné le gout du maloya. « Le séga, c’est ma mère qui en écoutait beaucoup mais personne n’en jouait, d’ailleurs personne n’étaient musicien », précise Samuel qui tout petit, tapait sur des troncs d’arbre ou des bidons. Installé à Marseille depuis 10 ans, il joue des percussions dans le groupe Banyan, le groupe de maloya de la cité phocéenne, qu’il a rejoint en 2014, lors de sa création.

Avec Pierrette et ses Payettes

Stage de pratique

Musique d’hommage aux ancêtres, le maloya est aux réunionnais ce que le musette a pu être aux Parisiens ou la paghiella aux corses.
D’abord interdite et sévèrement réprimée par le pouvoir colonial français, cette musique née dans les plantations fait confluer dans son chant et ses rythmes les exils, les tourments et les joies de toutes celles et ceux que la colonie a exploités et réunis dans ses propriétés. Le maloya est une musique de lutte.

La percussion et la voix sont les deux combattants de cette résistance ; ils ont scellé leur union bien plus tôt, entre le Mozambique, Madagascar et le sous-continent Indien, dans les chants de possession et d’appels aux esprits.
Le maloya est un exutoire, certes, mais il permet aussi la découverte de rythmes, d’instruments, de mouvements et de chants qui emportent le corps dans une exploration joyeuse et libératoire.

Pierrette et ses payettes est le groupe réunionnais qui fait l’unanimité sur la pratique de cet art populaire à Marseille. Ils vous initieront à une première approche du maloya, toute en joie et en précision.

Programme de la matinée :
Stage autour de trois axes de transmission : pulsation, rythmes ternaires et binaires du maloya par les percussions corporelles et les jeux du corps dans l’espace ; puis initiation aux mêmes rythmes mais cette fois par les instruments traditionnels réunionnais (le kayamb, le rouler, le sati et le bobre) ; avant de conclure par la découverte de chants percussifs réunionnais, ou comment placer le chant dans un rythme…

Complétez votre stage en participant à la séance de l’après-midi (gratuite) et enrichissez ainsi votre pratique en une journée.

Un atelier proposé par la Cité de la Musique.

Les trois intervenants et intervenantes de cette journée sont issus du groupe Pierrette et ses Payettes. 
 

Sandra Richard

Sandra Richard est née à Saint-Denis de la Réunion et a grandi à Saint-Benoit, à l’est de l’île. Inscrite au Conservatoire, elle est plus attirée par la danse que par la musique. Son bac en poche, elle s’envole pour Marseille afin de suivre des études de Droit. Activiste des musiques péyi, elle crée Fonker La Réunion, une association en charge en autre de la chorale Ker Maloya. En duo avec le MC phocéen K-Meleon, elle signe par ailleurs Krazé, un premier titre hip-hop créole qui relie ses passions pour la musique réunionnaise et le hip-hop.

Sanae El Bajnouni

Sanae El Bajnouni est née à dans les environs de Nice dans une famille marocaine. Elle a 8 ans quand elle prend ses premiers cours de chant, et à peine 30 ans quand elle intègre des chorales italiennes et occitanes à son arrivée à Marseille. Plus tard, l’écoute d’albums de Danyel Waro l’amène à rejoindre Ker Maloya, la chorale dirigée par Jean-Didier Hoareau. « Ça a été un déclic » reconnait-elle aujourd’hui. « Un déclic et une ouverture ! ». Cette rencontre avec les musiques de la Réunion pourrait bien, un jour ou l’autre, la ramener vers celles du Maroc… Mais ça, c’est une autre histoire. 

Samuel Foudrin

Samuel Foudrin est né à Saint-Benoit. « Bras Fusil, quartier de Gramoun Lélé » précise-t-il pour honorer cet ancien qui lui a donné le gout du maloya. « Le séga, c’est ma mère qui en écoutait beaucoup mais personne n’en jouait, d’ailleurs personne n’étaient musicien », précise Samuel qui tout petit, tapait sur des troncs d’arbre ou des bidons. Installé à Marseille depuis 10 ans, il joue des percussions dans le groupe Banyan, le groupe de maloya de la cité phocéenne, qu’il a rejoint en 2014, lors de sa création.

Avec Grégoire Ingold (metteur en scène, comédien) et Brigitte Fabre (chanteuse, musicienne)

Séance de démonstration-découverte ouverte à tous (entrée libre).

Tant qu’il est couché sur le papier, le poème reste en attente d’une voix qui, en le prononçant dans l’espace sonore, lui donnera sa pleine mesure.
Mais dire le verbe à voix haute engage immédiatement toute une série de questions qui portent autant sur le sens que sur la forme : comment se mettre en intelligence avec le poète ? Quel rythme, quel souffle soutien son écriture ? Comment notre voix peut-elle diriger l’écoute de l’auditeur ? Au final, il s’agit bien de transcrire le texte littéraire en une véritable partition à dire.

Programme de l'après-midi (séance en trois moments de 30 min) :
Entrez dans le chœur et vivez l’expérience du poème.
Parce qu’elle est une partition réglée, la profération poétique en chœur parlé invite toutes les voix à entrer dans sa ronde. Pour goûter la langue des poètes, il suffit de se laisser porter par la pulsation collective : quand cinq, dix, quinze voix s’accordent pour dire les mots du poème, c’est une véritable expérience physique des puissances de la parole qui se découvre. 

Brigitte Fabre

Cheffe de chœur, chanteuse et musicienne, Brigitte Fabre se définit avant tout comme une pédagogue des pratiques musicales collectives. Elle se consacre à la direction de chœur, à son enseignement, et au travail de la voix en général. Elle dirige l'ensemble vocal Les Vallonés, qu'elle a créé en 1990, ainsi que d'autres groupes de chant choral (par exemple à la Cité de la Musique de Marseille). Les ateliers, interventions et stages qu’elle propose foisonnent de répertoires choisis et variés ; elle privilégie l’humain, le mouvement, la curiosité et l’ouverture en même temps qu’elle exerce avec une grande exigence.

Grégoire Ingold

Comédien et metteur en scène, Grégoire Ingold est élève d'Antoine Vitez à l'École du Théâtre National de Chaillot ; il joue sous sa direction dans plusieurs spectacles à Chaillot et à l'Odéon. Parallèlement, il fonde à Paris, en 1982, le Théâtre du Quai de la Gare où toute une génération de jeunes metteurs en scène produira ses premiers spectacles.
Il se consacre à l’étude pratique des écoles de jeu qui fondent les grands courants du théâtre au XXe siècle – Stanislavski, Brecht, Vassiliev – et crée l'Unité d'étude des écoles de mise en scène. En 1997, il revient à la mise en scène et créé la compagnie Balagan Système. Il a signé une vingtaine de mises en scène et s’intéresse tout particulièrement au répertoire de la dispute des idées ; il défend un théâtre populaire de qualité.

Avec Grégoire Ingold (metteur en scène, comédien) et Brigitte Fabre (chanteuse, musicienne)

Stage de pratique

Tant qu’il est couché sur le papier, le poème reste en attente d’une voix qui, en le prononçant dans l’espace sonore, lui donnera sa pleine mesure.
Mais dire le verbe à voix haute engage immédiatement toute une série de questions qui portent autant sur le sens que sur la forme : comment se mettre en intelligence avec le poète ? Quel rythme, quel souffle soutien son écriture ? Comment notre voix peut-elle diriger l’écoute de l’auditeur ? Au final, il s’agit bien de transcrire le texte littéraire en une véritable partition à dire.

Programme de la matinée :
Nous apprendrons à dire et à faire vivre le poème (« profération poétique »), ce qui implique un certain sens du rythme. Puisque nous sommes en groupe, nous mettrons nos voix à l’unisson pour dialoguer au sein d’un « chœur parlé ».
Il s’agira d’alterner la lecture en chœurs et en voix solistes, en émergences et continuum, en rythmiques et scansions ; ces termes ne nous impressionneront guère car nous les assimilerons ; ils seront notre partition.
En utilisant les principes du chœur, c’est la voix sous toutes ses hauteurs, sous ses différents grains et volumes, qui nous révèlera ses dimensions, ses rythmes et ses vibrations.

Complétez votre stage en participant à la séance de l’après-midi (gratuite) et enrichissez ainsi votre pratique en une journée.

Brigitte Fabre

Cheffe de chœur, chanteuse et musicienne, Brigitte Fabre se définit avant tout comme une pédagogue des pratiques musicales collectives. Elle se consacre à la direction de chœur, à son enseignement, et au travail de la voix en général. Elle dirige l'ensemble vocal Les Vallonés, qu'elle a créé en 1990, ainsi que d'autres groupes de chant choral (par exemple à la Cité de la Musique de Marseille). Les ateliers, interventions et stages qu’elle propose foisonnent de répertoires choisis et variés ; elle privilégie l’humain, le mouvement, la curiosité et l’ouverture en même temps qu’elle exerce avec une grande exigence.

Grégoire Ingold

Comédien et metteur en scène, Grégoire Ingold est élève d'Antoine Vitez à l'École du Théâtre National de Chaillot ; il joue sous sa direction dans plusieurs spectacles à Chaillot et à l'Odéon. Parallèlement, il fonde à Paris, en 1982, le Théâtre du Quai de la Gare où toute une génération de jeunes metteurs en scène produira ses premiers spectacles.
Il se consacre à l’étude pratique des écoles de jeu qui fondent les grands courants du théâtre au XXe siècle – Stanislavski, Brecht, Vassiliev – et crée l'Unité d'étude des écoles de mise en scène. En 1997, il revient à la mise en scène et créé la compagnie Balagan Système. Il a signé une vingtaine de mises en scène et s’intéresse tout particulièrement au répertoire de la dispute des idées ; il défend un théâtre populaire de qualité.

Par Juan Manuel Cortez (percussionniste) et Lydie Fuerte (musicienne)

Séance de démonstration-découverte ouverte à tous (entrée libre).

Approchez l’univers rythmique du flamenco et initiez-vous au compás (rythme) et aux palmas (frappes de main).
Le rythme est l’essence même du flamenco. Initialement frappé avec les doigts sur les tables des bars, il a peu à peu gagné la paume de la main (palmas). L’accompagnement des divers styles de flamenco aux palmas est aujourd’hui une véritable forme d’art. Complexe et variée, cette percussion authentique est aussi un mode d’expression spontané qui s’accorde au chant, à la musique, à la danse, ou tout simplement à la fête.

Programme de l'après-midi (séance en trois moments de 30 min) :
Recréant l’ambiance d’un tablao flamenco, le percussionniste Juan Manuel Cortés et la musicienne Lydie Fuerte s'expriment en duo avant d’inviter le public à reprendre des rythmiques aux palmas.

Un atelier proposé par le festival Les Suds.

Juan Manuel Cortés

Le parcours de Juan Manuel Cortés est un tourbillon incessant. Il écume les grandes scènes, dialogue avec de nombreux artistes (Samuelito, Kiko Ruiz, Lydie Fuerte, Vicente Pradal, etc.), puis reprend sans transiger sa quête d’un flamenco absolu. Profond et intraitable sur la tradition, Juan Manuel est un compositeur raffiné, un interprète racé, énergique, un orfèvre du compás, capable d'enchaîner avec finesse et subtilité tout l’éventail du répertoire flamenco. En 2020, il signe pour la Compagnie Luisa Flamenco, l’album À Fleur de Peau qu’il produit, réalise et dirige tout en y assurant compositions et univers sonore et percussif. Pédagogue passionné, Juan Manuel ose le pari de dénouer clairement, avec nombre d’illustrations sonores, de supports visuels et de jeux rythmiques, quelques-uns des mystères propres au flamenco. Il décrypte les formes musicales et nous guide dans le labyrinthe des divers styles du flamenco.

Lydie Fuerte

Lydie Fuerte découvre la guitare, le flamenco, le jazz et la musique sud-américaine à l'âge de huit ans auprès de Nicolas Toniutti. Au conservatoire de musique de Toulouse, elle apprend la rigueur de la technique et la recherche de la qualité sonore de l'instrument jusqu’à obtenir un premier prix de guitare classique en 2006. Travaillant auprès de Vicente Pradal ou Kiko Ruiz, elle obtient en 2012 son diplôme en musique traditionnelle guitare flamenca. Depuis lors, elle se consacre à son propre univers, compose ses propres œuvres pour le spectacle Una et les albums Carillón del viento (2017) et Ahora y Siempre (2021). Parallèlement, elle enseigne depuis plus de 15 ans dans plusieurs écoles de musique toulousaines et à l'EMEA (École municipale d'enseignement artistique) de Cugnaux.

Par Juan Manuel Cortez (percussionniste) et Lydie Fuerte (musicienne)

Stage de pratique

Approchez l’univers rythmique du flamenco et initiez-vous au compás (rythme) et aux palmas (frappes de main).
Le rythme est l’essence même du flamenco. Initialement frappé avec les doigts sur les tables des bars, il a peu à peu gagné la paume de la main (palmas). L’accompagnement des divers styles de flamenco aux palmas est aujourd’hui une véritable forme d’art. Complexe et variée, cette percussion authentique est aussi un mode d’expression spontané qui s’accorde au chant, à la musique, à la danse, ou tout simplement à la fête.

Programme de la matinée :
Dirigé par deux pédagogues hors pairs, cet atelier vous permettra d’acquérir les bases fondamentales de la rythmique flamenca, de pratiquer les palmas sur différents palos (styles) et d’explorer la richesse des interactions entre le rythme, le chant et la mélodie.

Complétez votre stage en participant à la séance de l’après-midi (gratuite) et enrichissez ainsi votre pratique en une journée.

Un atelier proposé par le festival Les Suds.

Juan Manuel Cortés

Le parcours de Juan Manuel Cortés est un tourbillon incessant. Il écume les grandes scènes, dialogue avec de nombreux artistes (Samuelito, Kiko Ruiz, Lydie Fuerte, Vicente Pradal, etc.), puis reprend sans transiger sa quête d’un flamenco absolu. Profond et intraitable sur la tradition, Juan Manuel est un compositeur raffiné, un interprète racé, énergique, un orfèvre du compás, capable d'enchaîner avec finesse et subtilité tout l’éventail du répertoire flamenco. En 2020, il signe pour la Compagnie Luisa Flamenco, l’album À Fleur de Peau qu’il produit, réalise et dirige tout en y assurant compositions et univers sonore et percussif. Pédagogue passionné, Juan Manuel ose le pari de dénouer clairement, avec nombre d’illustrations sonores, de supports visuels et de jeux rythmiques, quelques-uns des mystères propres au flamenco. Il décrypte les formes musicales et nous guide dans le labyrinthe des divers styles du flamenco.

Lydie Fuerte

Lydie Fuerte découvre la guitare, le flamenco, le jazz et la musique sud-américaine à l'âge de huit ans auprès de Nicolas Toniutti. Au conservatoire de musique de Toulouse, elle apprend la rigueur de la technique et la recherche de la qualité sonore de l'instrument jusqu’à obtenir un premier prix de guitare classique en 2006. Travaillant auprès de Vicente Pradal ou Kiko Ruiz, elle obtient en 2012 son diplôme en musique traditionnelle guitare flamenca. Depuis lors, elle se consacre à son propre univers, compose ses propres œuvres pour le spectacle Una et les albums Carillón del viento (2017) et Ahora y Siempre (2021). Parallèlement, elle enseigne depuis plus de 15 ans dans plusieurs écoles de musique toulousaines et à l'EMEA (École municipale d'enseignement artistique) de Cugnaux.

Une installation proposée en écho à l'exposition « Alexandrie : futurs antérieurs ».

Visant à explorer les villes d’Athènes, Bruxelles, Marseille et Nicosie à travers le prisme d’Alexandrie, la résidence « Caravan » a invité des artistes, chercheurs et acteurs culturels à imaginer de nouveaux modes de relation et de compréhension des processus urbains et sociaux au sein de géographies transméditerranéennes.

L’installation présente les productions de sortie de résidence des artistes.

Artistes : 
Islam Shabana (Égypte), Neja Tomsic (Slovénie), Zeynep Kaserci (Royaume-Uni, Turquie), Chiara Cartuccia (Royaume-Uni, Italie), Onur Çimen (Turquie), Sara Fakhry Ismail (Égypte), Post Disaster (Italie), virgil b/g taylor (États-Unis/Allemagne), Lodovica Guarnieri (Royaume-Uni, Italie), George Moraitis (Grèce), Mark Lotfy (Égypte), Mahmoud El Safadi (Liban), Stella Ioannidou (Grèce), Omnia Sabry (Égypte), Latent Community(Grèce), Nina Kurtela (Croatie)

Résidence conçue et organisée par le programme de résidence UNIDEE à Cittadellarte - Fondazione Pistoletto en Italie, sous le commissariat de Sarah Rifky et en conversation avec Edwin Nasr. 

Avec le soutien du programme Europe créative de l’Union européenne.

Avec Sérgio Bacalhau (percussionniste, chanteur-compositeur)

Initiez-vous aux rythmes sacrés du Nordeste brésilien, et découvrez le côco, cet art populaire de la pulsation qui mêle la parole à la danse, le chant au discours, et la magie à toutes les phases de l’apprentissage.

Le Nordeste brésilien – et particulièrement le Pernambuco – est une région où se mêlent les traditions spirituelles de l’Afrique de l’Ouest et les rites sacrés des communautés autochtones. Tous les styles musicaux sont fortement imprégnés de ces deux mystiques qui déterminent l’usage des percussions, la connaissance des danses et celle d’une poésie du quotidien qui mêle la parole des hommes au chant des esprits. 

Cette journée de découverte et d’exploration de l’univers du côco nécessite un matériel rudimentaire : vos pieds, vos mains et votre voix, pour arpenter ces chemins, et vous laisser entraîner vers une approche sensible de ce continent de ferveur qu’est le Brésil.

Programme : Côco et beatbox ! 
Un grand atelier d'initiation d'1h30-2h composée de 3 moments de pratique immédiate de la percussion, où la sollicitation du corps par la danse et le chant permettent de s’immerger dans les mouvements et les rythmes du côco.
Sergio Bacalhau ajoutera aux percussions traditionnelles du Nordeste des inventions plus récentes comme l'électronique et le beat-box, qui permettent à toutes et tous de découvrir comment on mêle aux sonorités d'aujourd'hui les éléments d'une pratique ancestrale. 

Un atelier proposé par la Cité de la Musique

Sérgio Bacalhau

Sérgio Bacalhau, percussionniste et chanteur-compositeur, exerce avec passion son art en Europe en tissant des liens entre les rythmes traditionnels brésiliens et des styles musicaux variés et contemporains.
Originaire d’Olinda dans le nord-est du Brésil, il a été découvert et formé par Naná Vasconcelos et n’a depuis cessé de s’enrichir en jouant aux côtés d’artistes tels que Mestre Salustiano, Cila et Selma do Coco, Erasto Vasconcelos, Mestre Ferrugem.
Spécialiste du pandeiro, ce tambourin spécifique du nordeste brésilen, il diffuse le rythme envoûtant de son instrument de prédilection par ses concerts, ses ateliers et ses productions musicales en parcourant les univers de la samba, de la bossa nova, du maracatu, du côco, du choro, du frevo et du forró.