Spectacle pour les enfants de 0 à 24 mois (avec leurs parents)

Le Blé en herbe
Écriture, jeu, mise en scène : Irma Ferron

Grains de café, craies bleu de mer, collier de perles... Jouant de ses dix doigts et accompagnée de menus objets, Irma Ferron raconte des aventures qui adoptent le regard de l’enfant se faufilant sans cesse dans le monde extraordinaire des petits détails du quotidien ! 

Ce spectacle sensoriel se poursuit par un temps de jeu libre avec les objets qui ont servi à raconter l’histoire (grains de café, boîtes, cailloux, coquillages…)
 

Spectacle pour les enfants de 3 à 5 ans (avec leurs parents)

Compagnie Le Blé en herbe
Écriture, jeu, mise en scène : Irma Ferron

Deux petites formes, deux « Dits du Petit » composent ce spectacle à épisodes articulé autour d’un personnage coquin, malin, naïf, gourmand, bavard, toujours « trop » ou « pas assez » : le Petit.
Jouant de ses dix doigts et accompagnée de menus objets, Irma Ferron raconte des aventures qui adoptent le regard de l’enfant se faufilant sans cesse dans le monde extraordinaire des petits détails du quotidien ! 

Le Dit du large :
« Plic ! Ploc ! C’est la nuit qui tombe.
Le grand Lustucru gronde…
On frappe à la porte — c’est qui ?
C’est Maman : elle vient coucher les enfants.
Mais le Petit n’a pas envie ! » 

Le Dit des bois :
— C'est le bazar, ici ! a dit le Petit.
— Moi je sais ce qu'on va faire ! a dit son frère.
— On va ranger la forêt ? —Ouais !
Fric frac, les feuilles craquent.
Mais dans les bois, quand on s'égare... gare !

Avec Grégoire Ingold (metteur en scène, comédien) et Brigitte Fabre (chanteuse, musicienne)

Séance de démonstration-découverte ouverte à tous (entrée libre).

Tant qu’il est couché sur le papier, le poème reste en attente d’une voix qui, en le prononçant dans l’espace sonore, lui donnera sa pleine mesure.
Mais dire le verbe à voix haute engage immédiatement toute une série de questions qui portent autant sur le sens que sur la forme : comment se mettre en intelligence avec le poète ? Quel rythme, quel souffle soutient son écriture ? Comment notre voix peut-elle diriger l’écoute de l’auditeur ? Au final, il s’agit bien de transcrire le texte littéraire en une véritable partition à dire.

Programme de l'après-midi (séance en trois moments de 30 min) :
Entrez dans le chœur et vivez l’expérience du poème.
Parce qu’elle est une partition réglée, la profération poétique en chœur parlé invite toutes les voix à entrer dans sa ronde. Pour goûter la langue des poètes, il suffit de se laisser porter par la pulsation collective : quand cinq, dix, quinze voix s’accordent pour dire les mots du poème, c’est une véritable expérience physique des puissances de la parole qui se découvre.

Brigitte Fabre

Cheffe de chœur, chanteuse et musicienne, Brigitte Fabre se définit avant tout comme une pédagogue des pratiques musicales collectives. Elle se consacre à la direction de chœur, à son enseignement, et au travail de la voix en général. Elle dirige l’ensemble vocal Les Vallonés, qu’elle a créé en 1990, ainsi que d’autres groupes de chant choral (par exemple à la Cité de la Musique de Marseille). Les ateliers, interventions et stages qu’elle propose foisonnent de répertoires choisis et variés ; elle privilégie l’humain, le mouvement, la curiosité et l’ouverture en même temps qu’elle exerce avec une grande exigence.
 

Grégoire Ingold

Comédien et metteur en scène, Grégoire Ingold est élève d’Antoine Vitez à l’École du Théâtre national de Chaillot ; il joue sous sa direction dans plusieurs spectacles à Chaillot et à l’Odéon. Parallèlement, il fonde à Paris, en 1982, le Théâtre du Quai de la Gare où toute une génération de jeunes metteurs en scène produira ses premiers spectacles.
Il se consacre à l’étude pratique des écoles de jeu qui fondent les grands courants du théâtre au XXe siècle – Stanislavski, Brecht, Vassiliev – et crée l’Unité d’étude des écoles de mise en scène. En 1997, il revient à la mise en scène et crée la compagnie Balagan Système. Il a signé une vingtaine de mises en scène et s’intéresse tout particulièrement au répertoire de la dispute des idées ; il défend un théâtre populaire de qualité.

Avec Grégoire Ingold (metteur en scène, comédien) et Brigitte Fabre (chanteuse, musicienne)

Stage de pratique.

Tant qu’il est couché sur le papier, le poème reste en attente d’une voix qui, en le prononçant dans l’espace sonore, lui donnera sa pleine mesure.
Mais dire le verbe à voix haute engage immédiatement toute une série de questions qui portent autant sur le sens que sur la forme : comment se mettre en intelligence avec le poète ? Quel rythme, quel souffle soutient son écriture ? Comment notre voix peut-elle diriger l’écoute de l’auditeur ? Au final, il s’agit bien de transcrire le texte littéraire en une véritable partition à dire.

Programme de la matinée :
Nous apprendrons à dire et à faire vivre le poème (« profération poétique »), ce qui implique un certain sens du rythme. Puisque nous sommes en groupe, nous mettrons nos voix à l’unisson pour dialoguer au sein d’un « chœur parlé ».
Il s’agira d’alterner la lecture en chœurs et en voix solistes, en émergences et continuum, en rythmiques et scansions ; ces termes ne nous impressionneront guère, car nous les assimilerons ; ils seront notre partition.
Comme nous utiliserons les principes du chœur, c’est la voix sous toutes ses hauteurs, sous ses différents grains et volumes, qui nous révèlera ses dimensions, ses rythmes et ses vibrations.

Complétez votre stage en participant à la séance de l’après-midi (gratuite) et enrichissez ainsi votre pratique en une journée.

Brigitte Fabre

Cheffe de chœur, chanteuse et musicienne, Brigitte Fabre se définit avant tout comme une pédagogue des pratiques musicales collectives. Elle se consacre à la direction de chœur, à son enseignement, et au travail de la voix en général. Elle dirige l’ensemble vocal Les Vallonés, qu’elle a créé en 1990, ainsi que d’autres groupes de chant choral (par exemple à la Cité de la Musique de Marseille). Les ateliers, interventions et stages qu’elle propose foisonnent de répertoires choisis et variés ; elle privilégie l’humain, le mouvement, la curiosité et l’ouverture en même temps qu’elle exerce avec une grande exigence.
 

Grégoire Ingold

Comédien et metteur en scène, Grégoire Ingold est élève d’Antoine Vitez à l’École du Théâtre national de Chaillot ; il joue sous sa direction dans plusieurs spectacles à Chaillot et à l’Odéon. Parallèlement, il fonde à Paris, en 1982, le Théâtre du Quai de la Gare où toute une génération de jeunes metteurs en scène produira ses premiers spectacles.
Il se consacre à l’étude pratique des écoles de jeu qui fondent les grands courants du théâtre au XXe siècle – Stanislavski, Brecht, Vassiliev – et crée l’Unité d’étude des écoles de mise en scène. En 1997, il revient à la mise en scène et crée la compagnie Balagan Système. Il a signé une vingtaine de mises en scène et s’intéresse tout particulièrement au répertoire de la dispute des idées ; il défend un théâtre populaire de qualité.

Avec Nadia Ammour (chanteuse et percussionniste)

Séance de démonstration-découverte ouverte à tous (entrée libre).

Si en Kabylie, le couple percussion-voix est emblématique de tous les moments de fêtes et de célébrations, il n’est que la part émergée du rythme des travaux et des jours de l’année berbère. Depuis le berceau jusqu’aux derniers instants, le chant et les rythmes accompagnent le peuple dans la vie pastorale des montagnes, les saisons agricoles ou les grands évènements de l’agitation citadine.

Le bendir, tambour sur cadre tendu originellement d’une peau de chevreau ou de jeune mouton – aujourd’hui de plastique –, est l’instrument roi de cette présence au monde. La percussion n’est pas un soutien mais la partie articulée du verbe, incarnée dans une peau et une scansion qui gère le flux du chant. La musique devient la trace, le témoignage et le matériau concret du passage sur terre ; la part tangible d’un mouvement spirituel que l’on retrouve dans le chant soufi comme dans les improvisations poétiques qui fleurissent lors des fêtes familiales.

Elle-même familière de cette alchimie, Nadia Ammour est une musicienne et une chanteuse au talent reconnu, qui collecte et retranscrit en musique ces traditions afin de nous les transmettre avec passion. Lors de cette journée, elle vous initiera à ces rythmes qui battent encore dans le chant et la musique kabyles d’aujourd’hui.

Programme de l’après-midi (séance en trois moments de 30 min) :
Une séance d’apprentissage de mouvements et de danses berbères d’Algérie.

Une proposition de la Cité de la Musique.

Nadia Ammour

Nadia Ammour est née en Algérie et chante depuis son plus jeune âge. Passionnée par les traditions chantées de Kabylie, elle consacre une grande partie de ses voyages à la collecte et à l’enregistrement. Elle fonde avec ses sœurs le groupe Tighri Uzar, qui interprète les chants transmis par leur mère au village de Yakouren. Titulaire d’un master en coopération artistique internationale, elle travaille avec des musiciens, des conteurs ou des poètes, s’occupe de la direction artistique de festivals, et participe aujourd’hui au spectacle Ne me libérez pas, je m’en charge ! sur l’histoire de l’exil féminin en chansons.

Avec Nadia Ammour (chanteuse et percussionniste)

Stage de pratique

Si en Kabylie, le couple percussion-voix est emblématique de tous les moments de fêtes et de célébrations, il n’est que la part émergée du rythme des travaux et des jours de l’année berbère. Depuis le berceau jusqu’aux derniers instants, le chant et les rythmes accompagnent le peuple dans la vie pastorale des montagnes, les saisons agricoles ou les grands évènements de l’agitation citadine.

Le bendir, tambour sur cadre tendu originellement d’une peau de chevreau ou de jeune mouton – aujourd’hui de plastique –, est l’instrument roi de cette présence au monde. La percussion n’est pas un soutien mais la partie articulée du verbe, incarnée dans une peau et une scansion qui gère le flux du chant. La musique devient la trace, le témoignage et le matériau concret du passage sur terre ; la part tangible d’un mouvement spirituel que l’on retrouve dans le chant soufi comme dans les improvisations poétiques qui fleurissent lors des fêtes familiales.

Elle-même familière de cette alchimie, Nadia Ammour est une musicienne et une chanteuse au talent reconnu, qui collecte et retranscrit en musique ces traditions afin de nous les transmettre avec passion. Lors de cette journée, elle vous initiera à ces rythmes qui battent encore dans le chant et la musique kabyles d’aujourd’hui.

Programme de la matinée :
Par l’apprentissage de phrases mélodiques et de rythmes sur de petits instruments ou des percussions corporelles, Nadia Ammour partagera sa première composition personnelle intitulée Targuit (« Le rêve »), ainsi qu’un chant rituel accompagnant le barattage du lait.

Complétez votre stage en participant à la séance de l’après-midi (gratuite) et enrichissez ainsi votre pratique en une journée.

Une proposition de la Cité de la Musique.

Nadia Ammour

Nadia Ammour est née en Algérie et chante depuis son plus jeune âge. Passionnée par les traditions chantées de Kabylie, elle consacre une grande partie de ses voyages à la collecte et à l’enregistrement. Elle fonde avec ses sœurs le groupe Tighri Uzar, qui interprète les chants transmis par leur mère au village de Yakouren. Titulaire d’un master en coopération artistique internationale, elle travaille avec des musiciens, des conteurs ou des poètes, s’occupe de la direction artistique de festivals, et participe aujourd’hui au spectacle Ne me libérez pas, je m’en charge ! sur l’histoire de l’exil féminin en chansons.

Avec Maura Guerrera (chanteuse et percussionniste)

Séance de démonstration-découverte ouverte à tous (entrée libre).

Les traditions pastorales et tous les chants de la ruralité sicilienne sollicitent soit la voix, soit le tambour (tamburieddhu), soit les deux instruments de façon complémentaire. Ce couple voix-tambour est aussi un outil spirituel. Il permet, par des rythmes simples, des scansions et des appels et réponses entre toutes celles et ceux qui prennent part à un évènement (moissons, fêtes, vendanges), de rendre honneur au maîtres supposés du temps des hommes – le ciel, les dieux, la terre – et de faire, l’instant d’un chant, d’une communauté de chanteurs, un petit morceau de cette éternité.
Maura Guerrera, qui enseigne et diffuse la beauté de ces langages, nous permettra d’approcher et de nous initier à la magie de ces chants et rythmes à la fois limpides et profonds.

Programme de l'après-midi (séance en trois moments de 30 min) :
Une séance en trois temps qui invitent à la participation chantée et dansée de tous les publics.
La puissance des rythmes viendra plonger l’assistance dans ces moments d’éternité que les formes répétitives et engagées du chant sicilien – et de nombreux chants du Sud de l’Italie – permettent parfois d’atteindre.

Une proposition de la Cité de la musique.

Maura Guerrera

Maura Guerrera est née à Messine, dans la partie nord-orientale de la Sicile.
Elle a la chance de se familiariser avec la culture musicale sicilienne de tradition orale dès 1996 grâce à sa rencontre avec des musiciens porteurs de la tradition musicale agropastorale de la région des monts Peloritani, près de Messine : Don Nino Sergio, berger, joueur de double flûte et de flûte en roseau friscalettu, Pietro Morabito, joueur et facteur de tambourin sicilien, Felice Currò, joueur et facteur de tambourin sicilien et de marranzano, Salvatore Vinci, joueur de ciaramedda a paru, Turiddu Corrao, chanteur ; et bien d’autres.
Depuis, elle conduit une recherche sur les chants paysans et la pratique des tambours sur cadre issus de la tradition orale d'Italie du sud (et plus particulièrement de Sicile), en portant une attention particulière au contexte de leur exécution et à leurs fonctions.
Elle étudie différentes techniques et figures rythmiques de tambour sur cadre d'Italie du sud avec Fabio Tricomi, notamment la technique sicilienne qu’elle a pu approfondir avec des porteurs de cette tradition en Sicile. Elle étudie également les modes du chant paysan avec Giovanna Marini à l'école de Musique le Testaccio de Rome et la technique vocale avec Germana Giannini du Centre Art et Culture de la Voix de Séville. Elle a étudié la méthode de l’ethnomusicologue et musicienne Martina A. Catella à l’école GlotteTrotters.

Avec Maura Guerrera (chanteuse et percussionniste)

Stage de pratique.

Les traditions pastorales et tous les chants de la ruralité sicilienne sollicitent soit la voix, soit le tambour (tamburieddhu), soit les deux instruments de façon complémentaire. Ce couple voix-tambour est aussi un outil spirituel. Il permet, par des rythmes simples, des scansions et des appels et réponses entre toutes celles et ceux qui prennent part à un évènement (moissons, fêtes, vendanges), de rendre honneur au maîtres supposés du temps des hommes – le ciel, les dieux, la terre – et de faire, l’instant d’un chant, d’une communauté de chanteurs, un petit morceau de cette éternité.
Maura Guerrera, qui enseigne et diffuse la beauté de ces langages, nous permettra d’approcher et de nous initier à la magie de ces chants et rythmes à la fois limpides et profonds.

Programme du matin :
Par l’approche de différents styles de chants polyphoniques et monodiques des campagnes de Sicile, ainsi que de différents rythmes, tous liés à des travaux importants du cycle des saisons ; les participants pourront s’immerger dans le monde sonore qu’ils auront créé eux-mêmes à partir de paroles, d’incantations et de tambours sur cadre (tambourins, tammorre, etc.).

Complétez votre stage en participant à la séance de l’après-midi (gratuite) et enrichissez ainsi votre pratique en une journée.

Une proposition de la Cité de la musique.

Maura Guerrera

Maura Guerrera est née à Messine, dans la partie nord-orientale de la Sicile.
Elle a la chance de se familiariser avec la culture musicale sicilienne de tradition orale dès 1996 grâce à sa rencontre avec des musiciens porteurs de la tradition musicale agropastorale de la région des monts Peloritani, près de Messine : Don Nino Sergio, berger, joueur de double flûte et de flûte en roseau friscalettu, Pietro Morabito, joueur et facteur de tambourin sicilien, Felice Currò, joueur et facteur de tambourin sicilien et de marranzano, Salvatore Vinci, joueur de ciaramedda a paru, Turiddu Corrao, chanteur ; et bien d’autres.
Depuis, elle conduit une recherche sur les chants paysans et la pratique des tambours sur cadre issus de la tradition orale d'Italie du sud (et plus particulièrement de Sicile), en portant une attention particulière au contexte de leur exécution et à leurs fonctions.
Elle étudie différentes techniques et figures rythmiques de tambour sur cadre d'Italie du sud avec Fabio Tricomi, notamment la technique sicilienne qu’elle a pu approfondir avec des porteurs de cette tradition en Sicile. Elle étudie également les modes du chant paysan avec Giovanna Marini à l'école de Musique le Testaccio de Rome et la technique vocale avec Germana Giannini du Centre Art et Culture de la Voix de Séville. Elle a étudié la méthode de l’ethnomusicologue et musicienne Martina A. Catella à l’école GlotteTrotters.

Avec Nuria Rovira Salat (danseuse, chanteuse) & Karine Gonzalez (danseuse, chorégraphe)

Séance de démonstration-découverte ouverte à tous (entrée libre).

Une introduction à la rumba métisse, danse fusion flamenco balkanique développée par deux chorégraphes complices.

Dans leur dernière création Les Andalousies, du Bosphore à Gibraltar, Núria Rovira Salat et Karine Gonzalez, voyageuses, danseuses et musiciennes, ont donné naissance à une danse métisse entre le flamenco et la danse orientale balkanique. Une danse à la fois poétique et sauvage. Évoquant la route des tziganes et des gitans, elle nous emporte dans un tourbillon de couleurs et de grâce et nous promène dans une terre de partage des cultures, d’un bout à l’autre de la Méditerranée.

Programme de l'après-midi (séance en trois moments de 30 min) :
Présentation et démonstration de passages dansés extraits du spectacle Les Andalousies, suivies d’une invitation à partager un geste dansé avec les artistes.

Une proposition du festival Les Suds, à Arles.

Nuria Rovira Salat

Formée en anthropologie, Nuria Rovira Salat a fait de sa curiosité pour les cultures orientales et tsiganes une passion et un art. Elle se professionnalise en danse arabo-berbère auprès de Lamia Saffiedine, Saâdia Souyah et Saïda Naït-Bouda, puis en danse tsigane avec Pétia Iourtchenko, Simona Jovic et Béatrice Lavielle. Elle a dansé avec Stephan Eicher, Fanfaraï, Tony Gatlif, Titi Robin, le Cirque Romanès ou Ibrahim Maalouf & Haïdouti Orkestar. Parallèlement à la scène, elle enseigne une large palette de danses arabo-berbères, maghrébines et tsiganes. 

Karine Gonzalez

Karine Gonzalez est une artiste voyageuse aux multiples visages. Elle a trouvé dans le flamenco le langage idéal dont l’expression, à la fois musique et danse, s’inscrit dans une tradition qui rejoint ses propres racines espagnoles. Après une solide formation en musique, danse classique, prépa lettres anciennes et littérature espagnole, elle danse dans plusieurs films (Vengo, Indignados) et spectacles (Django Drom, Vertiges) de Tony Gatlif aux côtés d’Antonio Canales, José Maya, Tomatito, Didier Lockwood, Stochelo Rosenberg, Bireli Lagrène ; travaille aux côtés de François René Duchâble, Jean-François Zygel et Mick Jagger ; et créée de nombreux spectacles flamenco traditionnels ou métissés : A compas del Corazon, Les Amants divins, Sevilla-Cadiz et La Parada Flamenca. Elle conçoit également avec d’autres chorégraphes des spectacles de flamenco ouverts à d’autres cultures : Sentires, Azahar, Les Andalousies... Poursuivant sa carrière au gré de collaborations artistiques variées et d’influences diverses, puisant aussi bien dans les textes mystiques soufis et catholiques que dans la mythologie persane, les danses orientales et le jazz, elle navigue avec aisance entre flamenco et danses orientales et tziganes.

Avec Nuria Rovira Salat (danseuse, chanteuse) & Karine Gonzalez (danseuse, chorégraphe)

Stage de pratique.

Une introduction à la rumba métisse, danse fusion flamenco balkanique développée par deux chorégraphes complices.

Dans leur dernière création Les Andalousies, du Bosphore à Gibraltar, Núria Rovira Salat et Karine Gonzalez, voyageuses, danseuses et musiciennes, ont donné naissance à une danse métisse entre le flamenco et la danse orientale balkanique. Une danse à la fois poétique et sauvage. Évoquant la route des tziganes et des gitans, elle nous emporte dans un tourbillon de couleurs et de grâce et nous promène dans une terre de partage des cultures, d’un bout à l’autre de la Méditerranée.

Programme du matin :
Initiation aux techniques de base de la rumba métisse (postures du corps, mouvement oriental du bassin et rythmiques de pieds).
Tenue requise : jupe large, legging, pieds nus et foulard autour du bassin.

Une proposition du festival Les Suds, à Arles.

Nuria Rovira Salat

Formée en anthropologie, Nuria Rovira Salat a fait de sa curiosité pour les cultures orientales et tsiganes une passion et un art. Elle se professionnalise en danse arabo-berbère auprès de Lamia Saffiedine, Saâdia Souyah et Saïda Naït-Bouda, puis en danse tsigane avec Pétia Iourtchenko, Simona Jovic et Béatrice Lavielle. Elle a dansé avec Stephan Eicher, Fanfaraï, Tony Gatlif, Titi Robin, le Cirque Romanès ou Ibrahim Maalouf & Haïdouti Orkestar. Parallèlement à la scène, elle enseigne une large palette de danses arabo-berbères, maghrébines et tsiganes. 

Karine Gonzalez

Karine Gonzalez est une artiste voyageuse aux multiples visages. Elle a trouvé dans le flamenco le langage idéal dont l’expression, à la fois musique et danse, s’inscrit dans une tradition qui rejoint ses propres racines espagnoles. Après une solide formation en musique, danse classique, prépa lettres anciennes et littérature espagnole, elle danse dans plusieurs films (Vengo, Indignados) et spectacles (Django Drom, Vertiges) de Tony Gatlif aux côtés d’Antonio Canales, José Maya, Tomatito, Didier Lockwood, Stochelo Rosenberg, Bireli Lagrène ; travaille aux côtés de François René Duchâble, Jean-François Zygel et Mick Jagger ; et créée de nombreux spectacles flamenco traditionnels ou métissés : A compas del Corazon, Les Amants divins, Sevilla-Cadiz et La Parada Flamenca. Elle conçoit également avec d’autres chorégraphes des spectacles de flamenco ouverts à d’autres cultures : Sentires, Azahar, Les Andalousies... Poursuivant sa carrière au gré de collaborations artistiques variées et d’influences diverses, puisant aussi bien dans les textes mystiques soufis et catholiques que dans la mythologie persane, les danses orientales et le jazz, elle navigue avec aisance entre flamenco et danses orientales et tziganes.